BREVE GLOSARIO DE TERMINOLOGÍA TEATRAL

BREVE GLOSARIO DE TERMINOLOGÍA TEATRAL
Para todos aquellos que quieran iniciarse en el mundo del teatro. Guau!

Artes interpretativas:

Toda forma de arte creativa que puede ser representada, como el teatro, la música y la danza.

Expresión facial:

Demostración de un sentimiento, emoción o estado de ánimo usando los movimientos del rostro.
 

Gesto:

Movimiento de las manos, la cabeza u otras partes del cuerpo para provocar una respuesta o transmitir una intención.

Imitar: 

Remedar o copiar la voz, los gestos o las expresiones faciales de una persona.

Actuación:

Reaccionar a un estímulo ficticio con la mayor verdad escénica posible con ayuda del "sí" mágico.

Acción:

Todo lo que ocurre en el drama. Además, los movimientos, gestos, etc. de la interpretación.

Interpretación: 

Forma de comunicar las ideas y los sentimientos en la obra a fin de que los espectadores puedan experimentarlos con intensidad similar.

Actor:

El que hace una profesión de representar obras dramáticas. Los nombres histrión, representante, comediante y otros, han caído en desuso, excepto el de cómico, que todavía de usa.

Caracterización: 

El arte de maquillar y vestir al actor de modo que tenga el aspecto del personaje que representa.

Plano congelado: 

Representación fija de una situación o momento en el tiempo; los actores asumen una pose y se mantienen inmóviles.

Coreografía:

El arte que crea los movimientos y pasos de danza para una obra.

Mimo:

Artista que puede manifestar pensamientos, acciones con expresiones fáciles, gestos y movimientos, todo sin pronunciar palabra.
 

Aparte:

Palabras o parlamento pronunciado con un tono de voz más bajo especialmente para el público, y que se supone los demás artistas no oyen. Se emplea mucho en el melodrama.

Comedia del Arte:

Género teatral propio de la Italia de la época barroca, con personajes fijos (Pantalón, Polichinela, Colombina, Con Tancredo, Arlequín, etc.), sin letra determinada, con un guión argumental sobre el que los actores improvisan los diálogos.

Improvisación:

Técnica de actuación en la que el actor o actriz representan acciones que no están preparadas con anterioridad.

Pantomima:

Representación por movimientos corporales y gestos sin que intervengan palabras. Forma silenciosa en que el actor comunica ideas y acciones por medio de los movimientos del cuerpo y las expresiones del rostro.

Expresión vocal:

Demostración de diferentes sentimientos, actitudes o estados de ánimo mediante la voz.

Dicción:

Forma de pronunciar las palabras. La buena dicción es fundamental en el arte teatral.

Diafragma:

Membrana muscular que separa el tórax del abdomen.

Apoyo diafragmático:

Uso del diafragma para añadir profundidad, control y volumen a la voz.

Proyección de la voz:

Proceso de mejorar el volumen y la claridad de la voz de una persona.

Obra Dramática:

Creación de lenguaje concebida y escrita por un creador llamado dramaturgo. La acción desarrolla al acontecimiento por medio del diálogo, fundamentalmente.

Tensión dramática:

Resultado del uso eficaz de la intriga o el conflicto. Permite que la obra dramática siga adelante y mantiene el interés del público.

Acotaciones escénicas:

Indicaciones dadas a los actores por el autor o director para que se muevan en el escenario o actúen de determinada manera (por ejemplo, travesar el escenario de derecha a izquierda, permanecer en silencio).

Diálogo: 

Conversación en una obra teatral.

Clímax: 

Momento de máxima tensión en una obra que constituye la culminación de acciones previas. También denominado nudo.

Desenlace: 

Resolución de un conflicto o tensión dramática.

Género Dramático: 

Los géneros literarios clasifican a las obras literarias, y él genero dramático corresponde a las obras literarias dramáticas.

Monólogo:

Parlamento que habla un artista que está solo en escena.

Escenografía:

Conjunto de objetos grandes, generalmente fijos, que permanecen en el escenario y que contribuyen a crear los ambientes donde se desarrolla la obra (por ejemplo, una mesa, sillas, un telón de fondo que representa una cocina). Arte y técnica de planear y preparar la escena para una representación.

Utilería:

Objetos escénicos que utiliza un actor o actriz durante la representación.

Pueden ser levantados y movidos fácilmente a diferencia de los accesorios que forman parte del decorado. También denominados atrezzo.

Vestuario:

Lo que lleva puesto un actor para hacer más auténtico el personaje que está representando.

Efectos especiales:

Recursos técnicos que se utilizan en una obra para crear una ilusión visual o sonora (por ejemplo, efectos de maquillaje, sangre falsa, máquinas de humo o hielo seco, el sonido de un teléfono o de una ciudad).

Paisaje sonoro:

Sonorización que se utiliza para representar una historia o acompañar un relato o suceso.

Storyboard (guión visual):

Serie de ilustraciones o dibujos con muy poco texto que describen los sucesos principales de un relato o la obra teatral.

Apagón:

Oscurecimiento total del escenario que se emplea a veces para dar fin a un acto u escena.

Bambalina:

Tiras de lienzo o papel pintado que cuelgan del telar de un teatro y completan la decoración.

Bastidor:

Armazón hecha de listones y cubierta con lienzo o papel pintado, que es la pieza principal del decorado del escenario.
 

Candilejas:

Fila de luces o bombillas colocadas a lo largo del borde del escenario para iluminarlo y que están invisibles para el público. No son muy comunes en la actualidad.

Ciclorama:

Cortina cilíndrica o curva, estirada y sin drapeados, situada al fondo del escenario. Actualmente se utiliza para limitar el área de actuación.

Elenco: El conjunto de artistas, director (es), escenógrafos, etc., que forman la compañía. Lista de sus nombres en el programa.

Ensayo:

Prueba de la obra que se hace el elenco muchas veces antes de la representación al público. E director debe fijar días y horas para los ensayos, y todos los que él indique deben asistir.

Ensayo general:

El ensayo general es el último antes del estreno y se realiza con vestuario, maquillaje, iluminación, sonido y decorados. Antes de él, se hacen muchos otros ensayos para que cada uno aprenda bien su parte.

Llamada: 

La advertencia a los artistas de que deben estar listos para salir a escena.

Mutis:

Vocablo de origen latino que indica en la obra que uno o varios de los artistas deben retirarse. Hacer mutis significa salir.

Narrador: 

Persona que lee o refiere acontecimientos que no aparecen en escena o que introduce los que se representan.

Proscenio:

Parte del escenario que está más cerca del público.

Conflicto: 

En una obra dramática, se produce por la oposición de dos fuerzas: una que progresa en cierto sentido para llegar a un fin (protagonista) y otra que en sentido contrario la obstaculiza y se opone a ella (antagonista).

Puesta en escena:

Es la transformación de lo escrito a lo actuado o representado. La obra es recreada para ponerla en escena por el director.

Sí mágico: 

Mediante éste el actor pasa del plano real a la otra vida, creada e imaginada por él mismo. Creyendo en esta vida el actor puede empezar a crear. Suposición que se convierte en realidad.

Una entrevista exclusiva

MADUIXA TEATRE, TRIUNFADORA DE LOS PREMIS ABRIL 2010, NOS LADRA SU EXPERIENCIA

El pasado 26 de abril tuvo lugar en el Teatre Micalet la gala de entrega dels Premis Abril de les Arts Escèniques Valencianes 2010. La compañía suecana Maduixa Teatre, con su último espectáculo  infantil titulado "Ras!" en el que la magia del audiovisual se funde con la danza y el juego de niños, optaba a diez guardones y finalmente se volvió a la Ribera Baixa con cinco. Fueron los grandes triunfadores de la noche y como perro actor, y periodista que soy, quería que me ladrasen esta experiencia.

¿Qué supone para vosotros este guardón?

Recibir cinco premios abril fue una gran sorpresa. Nunca hubiéramos esperado este caluroso reconocimiento del sector. Creo todo el equipo que formamos RAS! a partir de ahora asumiremos el proyecto con mucha más exigencia si cabe. Recibir estos premios nos da muchas fuerzas para seguir creciendo y trabajando en estos momentos tan difíciles para el sector.

¿Cómo y por qué nace Ras!?

Nace de la idea de buscar nuevas formas de contar historias. Nuevas formas que “atrapen” de alguna forma al público infantil. Trabajar para público infantil es un reto difícil que pocas compañías asumen con la responsabilidad que supone.

Queríamos plantear un espacio muy íntimo entre los actores y los niños , por eso pensamos en hacer un espectáculo con un aforo especial para 150 personas,  era muy importante que el espectáculo tuviera algún factor especial que de  alguna  forma atrajera? la atención y el interés de cada uno de ellos.

Con todo esto nació RAS.

¿Qué destacarías de este montaje, que lo hace diferente?

La presencia del público dentro del espectáculo. El poder actuar a un metro de ellos compartiendo cada detalle, cada movimiento, la mirada, la respiración…

Yo diría que “ras!” nos transporta a un universo poético lleno de color que desprende sensibilidad y frescura. La respuesta del público después de cada función es sorprendente. Mágico para ellos y enriquecedor para nosotros.

¿Cuál es el estilo de Maduixa Teatre?

Creo que Maduixa no tiene un estilo definido a la hora de crear proyectos. Llevamos solo cinco años de compañía y la verdad es que nos gusta hacer  proyectos de estilos diferentes. De momento, cuando nos gusta un proyecto en concreto apostamos fuerte por él, ya sea un espectáculo de texto, gestual, de danza… Para nosotros lo más importante es hacer las cosas con mucha ilusión, tener un buen equipo y ambiente de trabajo y hacerlo lo mejor posible.

¿Nuevos proyectos a la vista, trabajar con perros?

Estamos con muchos proyectos en la cabeza, pero corren malos tiempos en el sector teatral y esto hace difícil la creación de nuevos proyectos. A parte la gira de Ras! para este año hace que nos encontremos de bolos ocupando bastante tiempo del calendario. Así que, intentaremos estrenar el nuevo espectáculo de Maduixa antes de un año. Tal vez sea un espectáculo de calle. Eso si, sin perros.

(Eso de sin perros ya lo veremos, aunque sea de organizador, para hacer paso entre las gentes...). Página web de la compañía AQUÍ. Guaus maduixers!

Libro recomendado.

Un amigo me habló hace unos días de un libro que encontró en una librería de segunda mano: la edición de 1988 de la biografía de Stanislavski escrita por Jean Benedetti, "Stanislavski. A Biography".

Jean Benedetti, norteamericano, es considerado uno de los más importantes investigadores alrededor del teatro y la época artística del Teatro de Arte de Moscú; él ha escrito sobre y publicado textos originales de la compañía teatral, de Chéjov y Olga Knipper, y por supuesto de Constantin Stanislavski. No es en absoluto un libro poético, es simplemente lo que dice ser, una biografía, un relato de eventos y personalidades alrededor de Stanislavski, una descripción de lugares, de situaciones y personas que han estado de una manera u otra en el mundo del teatro por décadas. Pero, según me ha comentado, escrito de una manera "totalmente deliciosa".

¡Guau! ¡Habrá que leerlo!

Aquí la ficha del libro:

Stanislavski. A Biography

By Jean Benedetti

Methuen Publis hers

Great Britain, 1988

Eugenio Barba.

Mi olfato me ha llevado a encontrar este vídeo, curioso como él sólo.

Es un vídeo de un ejercicio del entrenamiento vocal, de los años 70 (vintage-vintage), del grupo Odin Teatret de Dinamarca donde vemos  la proyección vocal en el actor dirigiendo la voz a donde un compañero se moviese y la práctica de todos los resonadores, donde el actor debía de trabajar todos los resonadores (vibradores) mientras el guía dirigía su mano hacia diferentes partes del cuerpo.

Eugenio Barba explica el objetivo del ejercicio: que el actor proyecte la voz hacia donde está la mano del guía, respondiendo a ello en relación directa a la parte del cuerpo del actor en donde esté la mano.

Marat Sade.

Hace unos días tuve el placer de ver, en la ESAD, la muestra de mis compañeros de expresión corporal. Y guau.

Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat, representados por el grupo de actores del Hospicio de Charenton bajo la dirección del señor de Sade.

En este trabajo coral vi esfuerzo, ganas, alegría, ilusión, miradas, caricias, voces, expresiones, cuerpos, historias, personas, locos, cuerdos, amor, odio y arte.

La muestra estuvo basada en la obra con el mismo nombre, extrayendo la esencia de algunos fragmentos.

La obra original encarna muchas aristas sobre las cuales se puede explorar. Y, siendo la locura el punto inicial de investigación – ¡vaya inicio!- caemos en la cuenta de que los personajes son tan libres como oprimidos a la vez. La locura, ya sea en su bipolaridad, esquizofrenia, autismo, o psicosis, entre otros bocados de la mente, permite cierta libertad y creación de una nueva realidad, la cual deberá de ser enlazada con los textos, matices e intenciones que exige el argumento. Y teniendo, encima, como director –ficticio, para alivio de los actuales espectadores- al marqués de Sade, un personaje que existió realmente en la historia, e hizo que su nombre quedara como adjetivo para nombrar aquellos rudos placeres sexuales que hoy en día nos sorprenden –con susto para unos, con placer para otros-. Caemos entonces en dos puntos principales en esta obra: locura y sadismo (no sólo sexual, porque hay muchas formas de ser sádico). Y para aumentar el tono del asunto, le aumentamos ingredientes –no menos importantes, de ninguna manera- como política, rebelión, opresión y hasta un incierto pudor ¿moral? –Gracias a Coulmier- para no caer en un infierno mental (al menos para que no nos demos cuenta del mismo, o el del que vivimos y que gracias a la providencia, sobrevivimos).

Siento no haberos avisado antes, ¡a ver si puedo subir el vídeo pronto!

Algunos textos dadaístas.

ROGER VITRAC

Veneno

(Drama sin palabras)

CUADRO PRIMERO

El fondo del escenario es un gran espejo. Diez personajes, vestidos con blusas negras uniformes, se miran en él. Bruscamente se vuelven de cara al público, se llevan la mano derecha a los ojos como una visera, se toman el pulso mirando el reloj, se arrodillan, vuelven a levantarse y se van a sentar en las diez sillas colocadas en el proscenio. Una detonación hace añicos el espejo, descubriendo en una pared blanca la sombra de una mujer desnuda, que abarca toda la altura del teatro y va disminuyendo paulatinamente hasta alcanzar la estatura normal. Parece que la mujer haya escogido este momento para :evelarse. Aparece entonces saliendo de la pared misma en forma de estatua de escayola. Se dirige al primero de los diez personajes, quien le da un par de guantes rojos que ella se pone en seguida. Pasa al segundo personaje que le da una barra de pintura con la que se maquilla los labios. El tercero le regala las gafas negras. El cuarto una piel. El quinto una peluca azul. El sexto unas medias de seda blanca. El séptimo un manto de crespón con el que se hace una cola. El octavo un revólver. El noveno un niño. El décimo se desnuda y la persigue con un martillo.

TRISTAN TZARA

El Corazón A Gas

PERSONAJES:

OJO

BOCA

OREJA

NARIZ

CEJA

CUELLO

Cuello está en la parte alta del escenario. Nariz, enfrente y encima del público. Los demás personajes entran y salen ad libitum. El corazón calentado a gas palpita lentamente, intensa circulación, es el único y mayor timo del siglo en tres actos, sólo traerá suerte a los imbéciles industrializados que creen en la existencia de los genios. Se ruega a los intérpretes que presten a esta obra la atención que exige una obra maestra del vigor de Macbeth y de Chantecler, que traten al autor, que no es un genio, con poco respeto y adviertan la falta de seriedad del texto que no aporta ninguna novedad a la técnica teatral.

D a d á .

Hoy buscaba algo para jugar bajo en sofá y encontré, por casualidad -o no- un viejo libro de teatro dadá. ¡Qué interesante!

El dadaísmo se puede considerar como el primer movimiento artístico que se basa en el desarrollo de lo ilógico, de lo absurdo. Su vigencia fue corta, pero ayudó a arraigar una serie de actitudes y reflexiones que luego se plasmarán en el Surrealismo. El artista dadá es productor de arte pero, asimismo, actitud humana. Tzara decía que el dadá era "una fórmula de vida".

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. El dadaísmo literario se traduce sobre todo, en la actividad panfletaria (los siete manifiestos y numerosas revistas) y en la celebración de escandalosos festivales, a caballo entre el recital poético, el teatro de cabaret y la parodia sangrienta. En realidad se trataba de antiespectáculos, en los que los dadaístas, más que obras, se exhibían a sí mismos en las actitudes más provocadoras.

Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras.

La famosa receta de Tristán Tzara para hacer un poema dadaísta a base de tijeras, periódicos, azar y cola de pegar, debe interpretarse más como otra manifestación panfletaria del humor de este autor que al pie de la letra. En realidad, Tzara, como poeta y agitador, sabía que no "divertía", sino que "irritaba".

Os dejo escrita la receta -literal- por si os ponéis dadaistas en algún momento. ¡A crear!

Cómo hacer un poema dadá

Tristan Tzara

Coja un periódico.
Coja unas tijeras.
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema.
Recorte el artículo.
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa.
Agítela suavemente.
Ahora saque cada recorte uno tras otro.
Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa.
El poema se parecerá a usted.
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo. 

PREMIOS MAX 201O

El pasado 2 de Mayo se entregaron los galardones del teatro español en una gala presentada por el actor Carlos Hipólito y amenizada por una compañía teatral de ensueño: Lorca (Ángel Ruiz), Margarita Xirgu (Lidia Otón), Valle-Inclán (José Luis Alcobendas), Miguel Mihura (Juan Carlos Talavera) y Antonia Mercé (La Lupi), además de un cuarteto musical. La escenografía inspiraba poesía y arte urbano, pues en el escenario se dieron cita dramaturgos célebres de la historia del teatro español que vagaban por un espacio urbano con música que invitaba a la nostalgia.

Como guau espectador he de confesar que difruté de la puesta en escena, de ver a los escritores y dramaturgos que estoy estudiando el presente año en Literatura recitando poemas y frases célebres de los mismos.

El efecto sorpresa de la Gala de los Max se fue al traste cuando la SGAE publicó horas antes de la entrega de los premios en su web la lista de los galardonados. Cierto es que Animalario era la favorita ya que partía con 12 nominaciones y el pronóstico se cumplió al concluir la noche con 9 estatuillas. Mejor Espectáculo de Teatro, Mejor Autor Teatral en Castellano (Juan Cavestany), Mejor Composición Musical, Mejor Director de Escena (Andrés Lima), Mejor Escenografía y Mejor Diseño de Iluminación. Respecto a la gestión de la compañía Animalario sumó prestigio con los premios como Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas a Alberto San Juan por Urtain y otros como 'Baile, sólo parejas' o 'Tito Andrónico'.

Los otros dos montajes que más candidaturas consiguieron fueron  "Mort d'un viatjant/Muerte de un viajante" de Arthur Miller con 7 nominaciones, adaptada por Eduardo de Mendoza, y "La casa de Bernarda Alba" de Federico García Lorca con 4 nominaciones, adaptada por Lluis Pasqual.

Desde mi perruna opinión y mi sentido de crítica quisiera destacar la ausencia de las compañías valencianas, hecho que me produce una gran tristeza. La realidad es que no existe una promoción por las Artes Escénicas desde el gobierno valenciano y eso se refleja en que no pueden cruzar fronteras para llegar al público nacional. Deberíamos reflexionar acerca del estado en que se encuentra el teatro valenciano y justo después creer en el cambio; creer que un día seremos tendencia en las salas; creer que formaremos parte del teatro nacional para al fin creer que nuestro teatro hará historia, como esta semana lo ha hecho Animalario.

Quisiera compartir en este blog las palabras de despedida que lograron emocionarme pronunciadas por el MAESTRO Lorca:

 El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre

Perros circenses

Llego al Velòdrom Lluís Puig y me dicen que no está permitida la entrada a perros, así que opto por el plan que ya utilicé en el Teatre Rialto: me cuelo por uno de los tubos de refrigeración (¡que airecito!) y con mi olfato me guío para poder llegar a la pista. Pero los conductos pasan por encima de los vestuarios utilizados como camerinos por los artistas. Y entre las rendijas consigo ver casi medio centenar de artistas que están en los momentos previos antes de salir al escenario. Juegan entre ellos, calientan cuerpo y voz, se retocan el vestuario y los maquillajes… Oye, ¡qué cuerpazos!, menso mal que yo soy más de caniches.

Decido ponerme el bigote, sombrero y chaqueta que llevo escondido en la mochila para parecer un humano y así acceder a la sala y ocupar alguna butaca vacía. El escenario es espectacular, parece que estoy en medio del de un concierto, lo tengo a tan sólo unos metros… ¡shhhh, que empieza!.

Música y voz en directo, decenas de acróbatas y artistas dueños de sus cuerpos, mimos clows, saltimbankos. Una puesta en escena que no deja indiferente a nadie. Luces y sonido por todas partes y figuras humanas que se mueven al compás de piruetas, saltos, contorsiones y baile vestidos con ropas y pelucas fantasiosas. Me siento un niño.

“Saltimbanko” es el espectáculo del Cirque du Soleil que ya pasó por Valencia hace cinco años. Tal vez por eso algunos de los números ya los conocía por haberlos visto en el Circo Mundial o Circo Gran Fele durante las pasadas Navidades. Lo que no puede compararse es la esencia, la fidelidad a su estilo y universal magia circense del circo canadiense, que una vez más sorprende con un espectáculo casi sin palabras, donde la expresión corporal es la razón de ser de cada número, del toda la función. Cada aplauso me pareció un reconocimiento a la labor de los artistas que cada noche se juegan la vida por hacer circo. Realmente impresionante, increíble, pero circo.

LA ESGRIMA ANTIGUA

Los siete pecados capitales y un entremés escrito por Carles de 3º fueron el preludio para una muestra de esgrima de altura. La pieza comenzó con una presentación del entremés por el autor.

Los personajes pertenecían a los clásicos de la comedia del Siglo de Oro. El Villano representaba el pecado de la ira; la Dama era el pecado de la avaricia, pues osaba a conseguir aún más poder en el reino;

la Criada inspiraba el pecado de la envidia, intentaba cualquier excusa para intentar superar a su dama; el Caballero era el pecado capital de la soberbia ya que ansía en toda la pieza por conseguir más poder y tierras; el Gracioso de la villa representaba el pecado de la gula; la lujuria y la pereza eran dos ladronas pertenecientes a la clase baja de la Edad Media.

El medio de resolver los conflictos era luchando a dos espadas. La esgrima es un deporte asociado al teatro desde la implantación de la Comedia Española con Lope de Vega, pues la disparidad de conflictos y acción en las mismas dan lugar al uso de las armas en escena.

Considero que esta conjunción entre el texto antiguo y la esgrima fue una gran elección por parte del Maestro para presentar el trabajo de los alumnos de 3ºA. Muchas horas de ensayo fueron necesarias para que los chicos alcanzasen tal nivel en la esgrima puesto que es un deporte muy disciplinario y arriesgado.

En el entremés hubo varias escenas corales donde llegaron a haber hasta cuatro combates abiertos que sólo fueron posibles gracias al entrenamiento y a la precisión de los movimientos con las armas.

Desde este guau rincón quiero felicitar al Maestro y a los alumnos por mostrar algo tan difícil haciendo que parezca fácil manejar un arma.

Valencia danza

Durante todo este mes de abril y hasta el viniente mayo Valencia danza, y no me refiero a que todos los perros nos hayamos puesto de acuerdo para olernos los rabos dando vueltas sobre nosotros mismos. Vueltas, piruetas, pliés, round de jambes, jetés, desarrollos, portés y centenares de pasos, movimientos, ritmos, estilos, en definitiva, de maneras de danzar se dan cita en esta city con el festival Dansa València.

El tradicional Dansavalència se transforma en la Temporada Internacional Dansa València, y nos lleva del Teatro Rialto al Principal, pasando por el Talia - donde tiene lugar un mini-festival dentro del Festival para las nuevas propuestas o jóvenes compañías – o las salas alternativas de la ciudad como Carme Teatre, el resistente Manantiales o Espacio Inestable.

El contemporáneo es el estilo predominante, pero también encontramos flamenco con Rafael Amargo o una indescriptible y espectacular mezcla de show rockero con flamenco sobre puntas clásicas con Sol Picó (de la que puedo presumir haber trabajado con ella). Compañías valencianas, del resto del Estado, incluso venidas de Mónaco, como los destacables Ballets de Montecarlo. Destacable también el montaje “1910, homenaje a los ballets rusos” de nuestros chic@s del Ballet de Teatres de la Generalitat.

Teniendo en cuenta que vivimos en una ciudad donde no hay programación de danza estable durante todo el año… ¡esto es (nunca mejor dicho) un festival!.  Pero la cosa no acaba ahí: los perros y demás estudiantes de la ESAD o el Conservatorio de Danza (faltaría plus) tenemos un descuento del 80% en los espectáculos de Teatres de la Generalitat, y así es como entradas de 20 euritos se me han quedado en 3, guaaaau. ¡Nos están pidiendo que vayamos a ver danza!. Yo me he sacado entradas para la gran mayoría de montajes y estoy saciando así mi ansia de descubrir, probar y admirar esta disciplina de la que podemos sacar mucho provecho. De hecho, ya me he copiado algunos pasos de cuatro patas para el taller de final de curso.

Bienvenidos a la danza. Me voy a estirar las patitas para ensayar, ¡quiero bailar! (uno de los efectos después de ver una buena coreo en el teatro).

LOS MICRÓFONOS Y EL MOVIMIENTO

El espectáculo que visité la semana del VEO de la compañía los corderos.sc consistía en mezclar la tecnología y la calidad actoral para obtener como resultado un análisis general del comportamiento humano. El hombre político y su relación con el entorno social es la idea que subyace en este montaje pero según los autores, "no existe mensaje alguno, y menos político", porque su interés está en investigar los mecanismos generales del comportamiento humano, en extraer sus características. Es desde esta perspectiva, desde donde se aborda la temática del poder y las normas que a su alrededor se han construido para que el hombre pueda vivir en sociedad. La forma en la que se lleva a cabo la obra es envolvente y muy eficaz, con la utilización de los micrófonos y un proyector se desarrolla la historia y permite la transformación de los personajes, pues cabe destacar que en escena son tres actores y aparecen alredeor de 10 personajes.

En la escuela ya me habían ladrado sobre esta compañía y cierto es que tenían razón en sus críticas ya que la calidad de sus movimientos en la actuación eran precisos y mensajes claros para el espectador.

Una vez más, si fusionamos la calidad del movimiento con la tecnología y un buen número de ensayos obtenemos una pieza digna de ser mostrada en un festival de la categoría del VEO que apuesta por la creación escénica en todas sus variantes.

Más ImprovisARTE.

Con todo esto del Match de Improvisación me han dado ganas de investigar un poco más, he de entrenarme para el año que viene y creo conveniente empezar desde el principio.

Los orígenes de la improvisación se remontan a los mimos romanos que improvisaban escenas cómicas, la mayoría de las veces con una gran carga obscena, utilizándose de máscaras y grandes miembros deformes y con el único objetivo de complacer a su público.

Posteriormente, con Commedia dell`arte italiana, la improvisación como espectáculo tendrá su momento de gloria y permanecerá presente de una manera u otra hasta su recuperación a partir de finales del siglo XIX.

Dicen que es fundamental establecer las diferencias entre improvisación y falta de técnica y de preparación.

La improvisación exige un entrenamiento específico que capacite al actor a agilizar sus respuestas, a escucharse a sí mismo, a sus compañeros y al público.

Como ejemplo máximo de la excelente preparación de los actores que se destinan a la improvisación ante el público, surge la experiencia de los cómicos del arte que, desde el siglo XVI hasta el siglo XVIII, se dedicaron a investigar y experimentar los límites técnicos y artísticos de la improvisación.

Según el teórico italiano Fernando Taviani: “La improvisación era una habilidad que derivaba de la practica, del profesionalismo. No tenía nada que ver con la espontaneidad sino con la velocidad: era una composición veloz. Y también una división de trabajo.”

El teatro, como en la vida real, se comunica más de lo que se dice literalmente. Por eso, los alumnos o pre-actores debemos ir más allá de las palabras para examinar las funciones, comportamientos y emociones implicadas en la situación.

La improvisación es un teatro vivo basado en la invención creativa personal y grupal, para llegar a descubrir, ampliar y desarrollar los recursos expresivos y creativos de cada uno dejando así aflorar la espontaneidad, imaginación, fantasía, poesía, sentimientos, emotividad....

La exploración no tiene fin.

Ay, qué ganas me han entrado de empezar a improvisar!

El teatro permite a la persona jugar a ser otro y a liberarse de los roles aprendidos. Sobretodo jugar. 

Pues lo dicho amiguitos,

¡A jugar!

Match de IMPROVISACIÓN.

Hoy he ido a la biblioteca perruna de información y documentación teatral y he estado investigando bastante sobre los match de improvisación.

La Liga de Improvisación o Match de Improvisación es un juego teatral en el cual se enfrentan dos equipos haciendo aquello que mejor saben hacer: Teatro.

Es un montaje teatral atractivo, simpático, con sentido del humor, afectuoso, sincero, emprendedor, participativo e interactivo.

El primer Match de Improvisación fue creado por un grupo de actores canadienses encabezados por Robert Gravel y Yvon Leduc en 1977. En su preocupación por la falta de espectadores en las salas teatrales, debido a un gran auge del hockey sobre hielo, decidieron llevar el teatro a una "pista" en forma de competencia.

El Match de Improvisación podría definirse como una mezcla entre teatro y deporte en la que dos equipos compiten por conseguir las mejores improvisaciones, siendo el público el jurado final.

El match de improvisación es, al estilo de la vieja "Comedia del Arte", un juego de improvisación entre dos equipos de actores entrenados en la espontaneidad y la improvisación creativa.

Consta de varios juegos de improvisación. En cada juego, el árbitro lee la ficha de consignas que los actores desconocen. La ficha de consignas contiene: la naturaleza de la improvisación, el título, la categoría, número de jugadores por equipo y tiempo que durará la improvisación. Los actores cuentan con ese número de segundos predeterminado para preparar la improvisación, luego salen a escena, muestran su propuesta, y finalmente, el voto mayoritario del público decide qué equipo gana la ronda. Gana el encuentro el equipo que más puntos haya obtenido.

Existen ligas de improvisación por todo el mundo en diferentes lenguajes.

Así que, por qué no hacer una de mi especie?

He ido al parque y ya me he montado mi propio grupito con unos chiguaguas graciosísimos para presentarnos el año que viene, mientras, podeis asistir a LA GRAN FINAL de la Lliga d'Improvisació d'Aldaia en la que participarán:

Improu (de la EMT de Aldaia)

Impropios (de la Escuela de Improvisación de Quart de Poblet)

El Galliner (de la EMT de Picassent)

Apresados (unos cuantos improvisadores y amigos de la ESAD!)

Tras unas duras y divertidas competiciones en el Teatre del Mercat d'Aldaia, llega la final que será el 8 Marzo a las 18.00 h en el TAMA (Teatre Auditori Municipal d'Aldaia)

Por cierto, iré con mi troupe, id grabando mi cara, que el año que viene seré la estrella.

Guau.

20 años ladrando teatro

En 1998 tuvo lugar en Aldaia un primer encuentro de EMTs (no, no tiene nada que ver con los autobuses). Desde entonces la existencia y permanencia de las escuelas municipales de teatro es una importante realidad cultural y social que se extiende y consolida por toda la Comunidat. Un ejemplo de ello es Mislata, con EMT desde 1989.

El pasado año se cumplieron 20 años (humanos, no caninos) de l'Escola Municipal de Teatre de Mislata, pero es el próximo viernes 5 de marzo cuando tendrá lugar una gala aniversario para celebrar estas dos décadas de teatro en la localidad. El acto tendrá lugar en el Centre Cultural a las 19:30 y será presentado por nuestro compi Nelo Gómez.

Una gala donde se recordará el pasado, el presente y el futuro de este organismo de promoción y formación teatral que cuenta con diferentes programas: la formación permanente – con 2 grupos juveniles, 2 adultos y uno laboratorio – la creación y difución de espectáculos, y la animación teatral y campañas de teatro escolar, para los cachorritos. Además de participar en el Concurs de Teatre Vila de Mislata y otros proyectos del Ayuntamiento del municipio.

¡Vamos a celebrarlo por todo lo alto, hasta tocar los focos, y estamos tod@s invitados!.

Una de optimismo

Todavía no hemos acabado este més de enero del recién estrenado año (no, no es el año del perro en el calendario chino) y ya tenemos “buenas” noticias sobre nuestro panorama de artes escénicas. Como no podía leer la edición impresa del periódico, porque lo emborronaba todo con mis patitas, he echado un vistazo a la página web del Levante y Las Provincias. Mirad qué titulares:

"El Circuit teatral hecha el cierre", "RTVV fulmina ´La Nau´".

Y a esto podríamos sumar los que clausuraron el 2009: el cierre de la Sala Off, del Teatre de Campanar o del Teatro de los Manantiales. Bienvenidos a nuestro futuro profesional!.

El resumito de la primera noticia sería la desaparición del modelo actual del Circuit Teatral, una red de espacios escénicos formado por 63 ciudades de la Comunitat Valenciana con el objetivo de programar teatro y danza profesionales de una manera regular y diversificada desde la estructura de cada uno de los Ayuntamientos que lo integran. Teatres de la Generalitat dejará de pagar el 50% del coste de los bolos en los municipios. A cambio se entregarán unas subvenciones por medio de una convocatoria pública (a correr perritos!).

El nombre (el nuevo es Circuito Valenciano de Teatro y Danza) no es lo único que cambia, según la directiva del Circuit. Además de contratación, este era un órgano de coordinación entre municipios. Al pasar a ser «una bolsa de subvenciones», esta función se pierde, según los programadores municipales, que creen que los pagos a las compañías se verán afectados. Ahora, cobran el 50% del ayuntamiento al bajar del escenario y el de Teatres, después. Siendo una ayuda como otra, los ayuntamientos deberán pagar el 100% cuando reciban los fondos de Cultura (a año vencido). Y si se cierra a los grupos valencianos, la salida a otras autonomías peligrará, dicen. Según Cultura, es una exageración.

Una de voces:

La directora del área de la Conselleria de Cultura, Trinidad Miró dice que “la esencia y el funcionamiento del Circuit permanecen” (lo que no permanecen son los euros). Y agregó que ahora la obligatoriedad de contratar grupos valencianos para estar en el sistema se va a elevar del 60% al 80%.

El presidente de AVETID, Tomás Ibáñez, que advirtió de que muchas compañías ya «han recibido notificación de cancelaciones de las funciones contratadas ante la imposibilidad del ayuntamiento de garantizar los cobros».

Los programadores temen «decisiones partidistas dependiendo del color político del Ayuntamiento» a la hora de repartir el dinero. Además recordaban que la partida de Teatres para el Circuit el año pasado fue de un millón de euros y este año se ha reducido a 800.000.

La Conselleria de Cultura se alega que el nuevo modelo «pretende democratizar las ayudas porque hoy en día existen muchos municipios con buenas equipaciones escénicas que no cuentan con aportación de Teatres y eso es discriminación».

Vaya, una opción hubiese sido ampliar el presupuesto para el Circuit y así poder incorporar a nuevos municipios, pero la situación económica de Teatres lo impide. Mientrastanto iremos al Circuito, pero al de Fórmula 1, que para ese sí que hay dinero.

Y para resumir la segunda noticia, podríamos decir que el programa La Nau del pasado martes fue el último. El espacio semanal dedicado a las artes escénicas se despidió de las pantallas de la cadena pública valenciana después de haber superado con creces las cien entregas.

Fuentes de RTVV confirmaron ayer la finalización de la relación contractual con la productora de Castelló Worldfilms, que realizaba el programa. A partir de ahora, los contenidos de este espacio, que presentaba la actividad teatral, de danza y operística en la Comunitat Valenciana, pasarán a integrarse en la nueva versión del programa cultural Encontres (también de Punt 2) realizado con personal propio. La Nau se une a la lista de espacios externos que el nuevo director, José López Jaraba, ha eliminado para reducir gastos.

La dirección de TVV quiere transformar el espacio de Ricard Bellveser en un gran contenedor de información cultural, de más duración y que incluirá lo relativo también a las artes escénicas, realizado ahora con material y personal de la cadena. En el de esta semana estuvieron el director y una de las actrices de “Pollo e hijos”, actualmente en el Teatro Talía de Valencia.

Así son las cosas y así se las hemos contado. Guau!.

El VEO 2010

Siguiendo mi perruna inquietud por las Artes Escénicas, hoy me pueso a ladrar de alegría cuando he visto por la ESAD la publi del València Escena Oberta 2010. He recordado que Nelo, uno de mis compis, hizo un reportage especial sobre la edición del 09.

La octava edición del Festival VEO se celebrará del 10 al 21 de febrero de 2010. La ciudad se prepara de nuevo para albergar singulares propuestas escénicas en las que priman los lenguajes interdisciplinares y la utilización de espacios públicos no convencionales.

Video del festival del año pasado.

Destinado a espectadores inquietos, críticos y dispuestos a experimentar vivencias a través del arte, el VEO plantea como punto de partida de esta edición, el binomio realidad-ficción. Son destacables los estrenos en España de Tierra de nadie, del holandés Dries Verhoeven, y Les Gûmes, una fábula itinerante de la compañía francesa Le Phun. Además de la presentación de dos autores teatrales de gran reconocimiento en Europa y Latinoamérica, el argentino Federico León, y el belga Tim Etchells.

La muestra presta atención al auge del documental con la proyección de Man on wire (Oscar al Mejor Documental 2009) y la programación de Bonanza. También la película del valenciano Gabi Ochoa "Mi camiseta, sus zapatillas, tus vaqueros", producción propia del festival que se ofrece en formato teatral y audiovisual.

La danza, el teatro físico y las nuevas dramaturgias llegan al VEO 2010 de la mano de artistas como los italianos Pathosformel, la performer catalana Sònia Gómez y los castellonenses loscorderos.sc, que estrenan El mal menor, una coproducción del Festival VEO con el Mercat de les Flors de Barcelona y el CAET de Terrassa.

La calle será protagonista el sábado 13 de febrero con un "Desayuno con viandantes" en el Pont de la Mar. Estas son mis propuestas preferidas porque puedo patearme la ciudad con mis cuatro patitas sin que me cierren la puerta en los teatros. Este espectáculo de calle es una invitación abierta que propone compartir un almuerzo con amigos y desconocidos para romper con la rutina.

Valencia es el escenario, el VEO una realidad, los espectáculos pura magia. ¡Mucha mierda y muchos guaus!.